Se parliamo di
contemporaneo non possiamo evitare di parlare di performance. Non
vogliamo farne qua una storia, anche se ci piacerebbe, quanto
iniziare a raccogliere degli spunti che abbiamo sparso qui e là
negli articoli di questo sito e dandoci una data e un luogo in cui
tutto ha avuto, per noi, inizio: 2009, Moma,
100
Years:
A History of Performance Art.
Un’enorme mostra che ha
permesso di vedere tutta l’evoluzione di questo tipo d’arte, dal
‘900 fino all’oggi, epoca in cui le performance sembrano
trionfare: alla Biennale di Venezia il Leone d’oro lo vince Anne
Imhof, Tino Seghal furoreggia e la Abramovic vende ormai i biscotti
al suo stesso sapore.
Dagli anni 50 e 60, dagli
inizi dello sconfinamento dall’opera all’evento, la cui
esperienza è riferibile a comportamenti e processi, fino ad arrivare
a una tale moltiplicazione e differenziazione che, come illustra bene
un video della Tate (
video) per quanto uno/a possa girare quasi
ovunque troverà una performance. Dunque performance come
comportamento, sperimentazione, politica, rituale (Sonia D’altro,
Art tribune).
Ed il corpo, i corpi considerando anche
quelli degli spettatori, in mezzo al tutto.
Nelle modifiche che
viviamo essendo immersi nel Mercato, in ciò che dovrebbe distinguere
il contemporaneo immediato sensibile, proprio questi sono i temi da
indagare. Nonostante tutte queste premesse, tutt'ora abbiamo il
dubbio se sia questa la forma d’arte più adatta a raccontarli.
Dal 7 al 16 dicembre si è
tenuto a Venezia il Venice Internatonal Performing Art Week,
un’esperienza nata nel 2012 su iniziativa di VestAndPage. Nelle
prime 3 edizioni è stato messo a tema il corpo: poetico, politico e
materiale. Quest’anno la formula del Festival è cambiata. Dal
susseguirsi di performance a tema degli anni precedenti a un incontro
di artisti, divisi in tre gruppi condotti dagli stessi VestandPage,
da Andrigo e Aliprandi e da Marylin Arsem. Alla fine era prevista un
restituzione del lavoro fatto a palazzo Mora.
Ci siamo chiesti se le
performance stiano cambiando al modificarsi del corpo stesso, nel
momento in cui la tecnologia è vissuta ormai come una sorta di
“capacità naturale” e il confine tra l’organico e l’inorganico
si riduce. La stessa ritualità che è stata sia indagata come
tentativo di connettere pratiche ancestrali, religiose o meno, con la
vita moderna, che ricreata, messa in atto, fondata e restituita ha
ancora un senso nel momento della deterritorializzazione delle
membra, della relazione istantanea tra persone, pratiche e saperi. Lo
stesso può valere per la politica, ormai esterna ai canoni
novecenteschi e fuori dalla percezione dei/delle ragazzi/e o per le
altre relazioni, allo stesso modo spesso ignorate o condannate.
E lì, a Venezia, magari
non saranno d’accordo con noi, ma almeno si sono interrogati su
questi temi. Si usano le pareti come “palcoscenico”, si mescola
la musica sperimentale alla danza, ci s’ingabbia e ci si libera,
s’usa la tecnologia.
Non crediamo che ci sia
ancora un risposta alla capacità di trasformarsi della performance
in conseguenza della trasformazione del suo medium (corpo ecc.), ci
sono dei tentativi e una ricerca. Qui più che altrove restano
all’orizzonte due grandi questioni. In primo luogo il distaccarsi
progressivo dell’individualità intesa in senso moderno (un’artista
difficilmente ha un ego piccolo) dalle forme sempre più comunitarie
della nascita di senso, della conservazione delle memorie, delle
relazioni contemporanee. La qual cosa, se non superata, può cadere
in una sorta di periferica resistenza creativa o in un rifiuto della
realtà reazionario.
Il secondo problema è la
possibilità, nel mercato, d’esistenza di un atto che di per sé
crei una reazione ricercata, non casuale o autoreferenziale, nello
spettatore. Che generi uno scambio, o volutamente non lo generi,
identificabile almeno approssimativamente come gesto artistico.
Anche qui, altrimenti, s’oscilla tra l’insignificanza (che pure
potrebbe essere ricercata) e una sorta di spiritualismo fai da te.
Per
evitare d'essere ricacciati nel teatro o nelle discoteche,
rinunciando alle differenze, come diceva Carmelo Bene, per non
rivolgerci al passato, bisognerebbe “uscir di pagina, uscir di sé,
uscir di senno”.
If we talk about
contemporary we can not avoid talking about performance. We do not
want to make here a story, even if we would like, how much to start
to gather some ideas that we have scattered here and there in the
articles of this site and giving us a date and a place where
everything has had, for us, beginning: 2009, Moma ,
100 Years: AHistory of Performance Art.
A huge exhibition that
allowed us to see all the evolution of this type of art, from the
20th century until today, when performances seem to triumph: at the
Venice Biennale Anne Imhof win the Golden Lion, Tino Seghal has a
very success and Abramovic now sells biscuits that have her own's
taste.
From the 50s and 60s,
from the beginnings of the transition from the opera to the event,
whose experience is referable to behaviors and processes, up to such
multiplication and differentiation that, as a video of the Tate (
video) shows that as for one can turn almost anywhere and find a
performance. So performance as behavior, experimentation, politics,
ritual (Sonia D'altro, Art tribune).
And the body, the bodies
also considering's those of the spectators, in the middle of
everything.
In the changes we live by
being immersed in the Market, in what should immediately distinguish
immediate sensitive, the body, rituality, time and relationships
(politics and behavior) are for us, the territories to be
investigated. Despite all these premises, we still doubt whether this
is the most suitable form of art to tell them.
From 7 to 16 December
Venice Internatonal Performing Art Week was held in Venice, an
experience born in 2012 on the initiative of VestAndPage. In the
first 3 editions the body was put on theme: poetic, political and
material. This year the formula of the Festival has changed. From the
succession of performances on the theme of the years to a meeting of
artists, divided into three groups led by the same VestandPage, by
Andrigo and Aliprandi and Marylin Arsem. In the end there was a
restitution of the work done at Palazzo Mora.
We wondered if the
performances are changing when the body itself changes, when the
technology is now experienced as a sort of "natural capacity"
and the boundary between the organic and the inorganic is reduced.
The same ritual that has been both investigated as an attempt to
connect ancestral practices, religious or not, with modern life,
which is recreated, put into action, founded and returned still makes
sense in the moment of the deterritorialization of the limbs, of the
instantaneous relationship between people , practices and knowledges.
The same can apply to politics, now outside the canons of the
twentieth century and out of the perception of boys / girls or other
relationships, in the same way often ignored or condemned.
And there, in Venice,
maybe they will not agree with us, but at least they questioned
themselves
We do not believe that
there is still an answer to the performance's ability to transform
at the same time of the transformation of its medium (body, etc.).
There are attempts and research. Here more than elsewhere, two large
issues remain on the horizon. In the first place the progressive
separation of individuality understood in a modern sense (an artist
hardly has a small ego) from forms increasingly linked to a coomunity
way to birth of sense , to the conservation of memories, to
contemporary relationships. Which, if not overcome, can fall into a
sort of a creative resistance or a reacttionary rejection of
reality.
The second problem is the
possibility, in the Market, to the existence of an act that in itself
be a researched reaction, not casual or self-referential, in the
viewer. That generates an exchange, or deliberately does not generate
it, identifiable at least approximately as an artistic gesture. Here,
too, otherwise, it oscillates between insignificance (which could
also be sought) and a kind of do-it-yourself spiritualism.
To avoid being pushed
back into the theater or discotheques, renouncing the differences, as
Carmelo Bene said, in order not to turn to the past, we would have to
"get out of the page, get out of ourselves, go out of our mind".